200 eventos, uno por cada año que Franz Liszt hubiera cumplido en 2011: Alemania se viste de gala para celebrar el bicentenario de uno de los músicos más relevantes del siglo XIX.
En 2011, Europa conmemorará los 200 años del nacimiento de este gran compositor, considerado uno de los grandes de la historia y el precursor de los recitales para piano. A pesar de ser de húngaro, será el estado alemán de Turingia el que albergará la mayor parte de las celebraciones, dado que fue en Weimar (una de las grandes ciudades de esta región) donde pasó más de una década de su vida. Allí ejerció como director de orquesta, profesor y compositor, impulsando la Nueva Escuela Alemana; es decir, la música de la era posterior a Beethoven.
El acontecimiento principal del calendario de eventos será la exposición Franz Liszt: un europeo en Weimar, que se celebrará del 24 de junio al 30 de septiembre en el Museo Schiller y en el Palacio de Weimar. En esa muestra se documentará la vida y obra del artista y su importancia en la historia de la música.
Asimismo, el Festival de Turingia (del 18 de junio al 9 de julio) se dedicará a la figura de Liszt, en colaboración con otras localidades como Meiningen, Sondershausen, Eisenach y Érfurt. Una magnífica ocasión para descubrir el trabajo de un creados extraordinario.
Podeis buscar más información en http://www.liszt-2011.de/
Os dejo con la "Rapsodia húngara nº2"
miércoles, 29 de diciembre de 2010
viernes, 24 de diciembre de 2010
EL ORIGEN DEL VILLANCICO
En estas fechas en las que se respira un aire navideño por doquier resurge como cada año un tipo de música que recibe el nombre de “villancico”. Sin embargo, pocas son las personas que conocen el origen de estas melodías que, año tras año, llegan a nuestros oídos en tan entrañables fechas.
El villancico es una de las manifestaciones más antiguas de la lírica popular castellana que en sus orígenes consistía en una breve canción estrófica con estribillo que solía tener el esquema aBccaB. Su melodía principal se hallaba en la voz superior y normalmente estaba destinado a ser ejecutado por un solista al que le acompañaban dos o tres instrumentos.
Esta denominación apareció en el siglo XV refiriéndose a una canción en lengua vulgar que se apoyaba en las formas estróficas responsoriales como el virelai, el zéjel, la ballata o las cantigas paralelísticas. Las primeras fuentes documentales en las que aparece la palabra “villancico” son elCancionero de Stúñiga (ca. 1458) y el Chanssonier d’Herberay (ca. 1463), más posteriores son el Cancionero de la Colombina y el Cancionero musical de Palacio. Juan del Encina a finales del siglo XV fue el autor más representativo de este género, en sus composiciones utilizaba el tiempo binario y para aquellas obras que tenían una temática popular el ternario. El villancico en esta época ya consistía en una forma musical y poética que alternaba coplas con estribillo.
Hacia el siglo XVI debido a que las autoridades eclesiásticas empiezan a considerar la conveniencia de introducir en la liturgia composiciones en castellano como una forma de acercar al pueblo a los misterios de la Fe católica, el villancico poco a poco va cambiando su temática sobre el amor cortés para ir centrándose en temas de tipo religioso. De esta manera en los albores del siglo XVII se empieza a utilizar en los responsorios de maitines de las principales fiestas litúrgicas como la Navidad, Hábeas Christi, Asunción, santos locales, Epifanía, Trinidad, etc. Así los villancicos se convertirán además de en un obligado ejercicio para acceder al magisterio de capilla, en una de las principales obligaciones compositivas del maestro de capilla para las principales fiestas del calendario litúrgico.
Durante el siglo XVII la interpretación de villancicos se hace cada vez más frecuente a pesar de las prohibiciones por parte de las instituciones conservadoras. Prohibiciones que se basaban en que el uso de los villancicos se había convertido en una práctica cada vez más usual de cancioncitas con forma de diálogo que recreaban la sorpresa de los pastores ante el misterio del nacimiento de Jesús. Temas como este se convertían en un excelente pretexto para realizar divertidas parodias en las que se hacía la burla correspondiente de personajes arquetípicos de diversas nacionalidades. El villancico del siglo XVII tiene una gran complejidad técnica y formal aumentándose el número de voces incluso hasta ocho distribuidas en dos coros dispuestos en diferentes lugares de la catedral y acompañados con instrumentos como el arpa, el violón y el órgano. Los villancicos de este siglo nos han llegado en manuscritos de borrador y en hojas sueltas para cada voz dejando de lado la escritura de facistol para este tipo de género.
El siglo XVIII está marcado por la gran influencia que ejerció Italia en cuanto a música se refiere y no sólo nos estamos refiriendo a la ópera o a la zarzuela sino también al villancico. Influencias italianizantes en el villancico fueron el estilo recitativo, las arias da capo y el estilo compositivo de la ópera seria italiana que provocaron un aumento en la plantilla de las orquestas de las capillas de música catedralicias, una mayor exigencia a la hora de interpretar dichas composiciones junto con una desmedida inversión musical de los centros catedralicios que no rentabilizaban sus resultados prácticos. Los villancicos seguirán teniendo las características populares del siglo anterior que se irán fundiendo con las características musicales de este siglo, situación que provocó que los villancicos se utilizasen en contextos litúrgicos pero esta vez con fines didácticos. Poco a poco se van introduciendo elementos teatrales en las iglesias buscando provocar en el pueblo afectos muy diferentes a la contemplación divina que se conseguía con el viejo estilo polifónico. Compositores importantes de este periodo han sido el padre Antonio Soler, Antonio de Literes y José de Torres. Estas influencias italianizantes provocaron que el villancico fuera definitivamente proscrito de la liturgia a finales de este siglo XVIII, de tal manera que en el siglo XIX los villancicos habían desaparecido de la liturgia siendo sustituidos por los tradicionales responsorios gregorianos. Así todo el patrimonio de villancicos quedó en el mejor de los casos almacenado en los archivos catedralicios, gran parte del cual aún está por publicar.
Hoy en día al referirnos a la palabra “villancico” hacemos referencia a la canción de navidad que tiene sus orígenes en distintas culturas populares de cualquier nacionalidad. El villancico que estamos acostumbrados a oír en estas fechas tiene una estructura melódica y armónica sencilla y normalmente suele estar interpretado en las voces por coros de niños / as, suelen tener melodías facilonas y poco elaboradas armónicamente. Actualmente el uso del villancico está ligado al fomento del consumismo típico de estas fechas, prueba de ello es que la publicidad utiliza la música de los villancicos a finales del mes de noviembre, con lo cual se amplía el periodo navideño de forma considerable con el objeto de fomentar aún más el consumo en estas fechas.
LOS BENEFICIOS DE TOCAR UN INSTRUMENTO
La música es un creciente campo de investigación en la manera de entender los procesos mentales implicados en el comportamiento. Una investigación reciente asegura que la práctica musical se asocia con la plasticidad estructural y funcional del cerebro que, a su vez, confirma que éste puede ser modelado a través de la experiencia. Por este motivo, cada vez más especialistas recomiendan una formación musical para mejorar las habilidades lectoras y de escritura, sobre todo, en niños con dislexia.
Durante la última década se ha generalizado la investigación con músicos profesionales para el estudio de la plasticidad del cerebro. El motivo parece claro: para lograr una gran velocidad en los dedos, un músico necesita un gran entrenamiento mental. Un estudio realizado hace varios años ya concluía que un buen pianista o violinista pueden llegar a practicar 7.500 horas antes de cumplir 18 años. Los trabajos elaborados con este grupo parecen verificar los beneficios que experimenta la fisiología cerebral cuando se aprende a tocar un instrumento. Lutz Jäncke, profesor del Instituto Tecnológico de Zúrich (Suiza), ha recogido la mayor parte de los estudios realizados en la página web "Faculty of 1000", donde más de 2.000 científicos relevantes opinan sobre la investigación científica principal.
Durante la última década se ha generalizado la investigación con músicos profesionales para el estudio de la plasticidad del cerebro. El motivo parece claro: para lograr una gran velocidad en los dedos, un músico necesita un gran entrenamiento mental. Un estudio realizado hace varios años ya concluía que un buen pianista o violinista pueden llegar a practicar 7.500 horas antes de cumplir 18 años. Los trabajos elaborados con este grupo parecen verificar los beneficios que experimenta la fisiología cerebral cuando se aprende a tocar un instrumento. Lutz Jäncke, profesor del Instituto Tecnológico de Zúrich (Suiza), ha recogido la mayor parte de los estudios realizados en la página web "Faculty of 1000", donde más de 2.000 científicos relevantes opinan sobre la investigación científica principal.
IMPROVISACIÓN Y EDUCACIÓN
Improvisación y educación caminan juntas en el sentido de que con la improvisación se interiorizan materiales auditivos, se adquieren aptitudes y destrezas importantes. Sé externalizan materiales auditivos internalizados.
En la improvisación primero se internaliza (absorción) y luego se externaliza (expresión), la integración de estos dos procesos se traduce en comunicación y toma de conciencia (objetivos educativos).
Improvisar música equivale a hablar el lenguaje hablado, ambas formas de comunicación expresan y comunican la parte más genuina del Hombre.
El Ser Humano en sus etapas biológicas muestra distintas necesidades. Con la producción de los primeros sonidos y más tarde con la incorporación activa del oído, el niño establece correspondencias con los sonidos que suenan en el mudo material y el humano circundante. Juega con sonidos vocales desde el primer momento.
En la improvisación instrumental comienza también con un “ balbuceo” instrumental, el niño se regocija haciendo sonar cualquier cosa, la emisión de ese sonido le llama poderosamente la atención. Este juego libre va retroalimentando la conciencia auditiva.
Para el niño de 6 0 7 años que se inicia en el estudio de algún instrumento, le chifla improvisar, crear su música: Los que se resisten a este crear propio de libre expresión prefieren repetir o estudiar lecciones.
Con la pre-adolescencia (10, 12 años) la capacidad expresiva y de comunicación sufre una ligera retracción. A estos niños les cuesta proyectarse, de ahí la importancia de dar suficientes oportunidades de libre expresión a los niños durante etapas anteriores.
En la adolescencia, el que sen interesa por la música querrá especializarse y dedicarse con más intensidad al aspecto que más le atraiga. En estas edades se manifiesta especial interés por repetir o copiar modelos derivados de la música popular. Poco después surgirá la necesidad de expresarse con más independencia.
Tanto el niño como el joven improvisarán siempre que el adulto que le rodea respete el carácter de juego intrínseco de la improvisación.
El adulto, suele sentirse atraído por la improvisación a veces de forma reprimida, con temor.
En la improvisación primero se internaliza (absorción) y luego se externaliza (expresión), la integración de estos dos procesos se traduce en comunicación y toma de conciencia (objetivos educativos).
Improvisar música equivale a hablar el lenguaje hablado, ambas formas de comunicación expresan y comunican la parte más genuina del Hombre.
El Ser Humano en sus etapas biológicas muestra distintas necesidades. Con la producción de los primeros sonidos y más tarde con la incorporación activa del oído, el niño establece correspondencias con los sonidos que suenan en el mudo material y el humano circundante. Juega con sonidos vocales desde el primer momento.
En la improvisación instrumental comienza también con un “ balbuceo” instrumental, el niño se regocija haciendo sonar cualquier cosa, la emisión de ese sonido le llama poderosamente la atención. Este juego libre va retroalimentando la conciencia auditiva.
Para el niño de 6 0 7 años que se inicia en el estudio de algún instrumento, le chifla improvisar, crear su música: Los que se resisten a este crear propio de libre expresión prefieren repetir o estudiar lecciones.
Con la pre-adolescencia (10, 12 años) la capacidad expresiva y de comunicación sufre una ligera retracción. A estos niños les cuesta proyectarse, de ahí la importancia de dar suficientes oportunidades de libre expresión a los niños durante etapas anteriores.
En la adolescencia, el que sen interesa por la música querrá especializarse y dedicarse con más intensidad al aspecto que más le atraiga. En estas edades se manifiesta especial interés por repetir o copiar modelos derivados de la música popular. Poco después surgirá la necesidad de expresarse con más independencia.
Tanto el niño como el joven improvisarán siempre que el adulto que le rodea respete el carácter de juego intrínseco de la improvisación.
El adulto, suele sentirse atraído por la improvisación a veces de forma reprimida, con temor.
MUSICA Y PUBLICIDAD
La publicidad es algo tan cotidiano que no percibimos su efecto condicionante y del cual en cierta manera no nos podemos sustraer. Es algo tan antiguo como la comunicación. Se puede definir como un proceso de información al consumidor para incrementar la venta de un producto.
Desde el punto de vista “del hecho anunciado” se puede tratar: de productos, servicios o simples consejos.
Desde el “sentido principal” que capta el anuncio la publicidad puede ser: visual, auditiva o audiovisual. La primera publicidad data de la época de los griegos y concretamente de los carteles que informaban al pueblo.
La publicidad empezó su desarrollo con la aparición de la imprenta (s. XV), la industrialización y la publicación de los periódicos. Fue en 1650 en un periodico londinense donde se insertaron los primeros anuncios.
En 1920 Waly Disney exhibió en salas de cine la primera película de dibujos animados de 1 min. de duración y con fines publicitarios. Aunque la música estuvo presente desde el principio en los medios de comunicación, pero fueron los publicistas americanos los primeros en darse cuenta de las posibilidades de la música como un elemento basico. Con solo escuchar las melodías adivinamos si el anuncio va destinado a un publico infantil, juvenil, adulto... La música siempre transmite una sensación, un estado de animo, incluso una clase social, por eso se debe seleccionar la música para cada mensaje o producto. Cuando una música se crea expresamente para un anuncio publicitario se llama “jingle”.
Si el producto que anuncias tiene un claro componente racional (detergente) se explica mejor con la palabra y apenas necesita musica. Pero si el producto anunciado tiene un mayor componente emocional se utiliza mas la música y apenas hay palabra.
Como no siempre los anuncios van dirigidos al mismo tipo de consumidor, los publicistas escogen las revistas donde exponer sus anuncios dependiendo del publico que las compre. En la radio existen distintas emisoras que emplean una voz, musica o distintos lenguajes según el publicista que las escucha.
Desde el punto de vista “del hecho anunciado” se puede tratar: de productos, servicios o simples consejos.
Desde el “sentido principal” que capta el anuncio la publicidad puede ser: visual, auditiva o audiovisual. La primera publicidad data de la época de los griegos y concretamente de los carteles que informaban al pueblo.
La publicidad empezó su desarrollo con la aparición de la imprenta (s. XV), la industrialización y la publicación de los periódicos. Fue en 1650 en un periodico londinense donde se insertaron los primeros anuncios.
En 1920 Waly Disney exhibió en salas de cine la primera película de dibujos animados de 1 min. de duración y con fines publicitarios. Aunque la música estuvo presente desde el principio en los medios de comunicación, pero fueron los publicistas americanos los primeros en darse cuenta de las posibilidades de la música como un elemento basico. Con solo escuchar las melodías adivinamos si el anuncio va destinado a un publico infantil, juvenil, adulto... La música siempre transmite una sensación, un estado de animo, incluso una clase social, por eso se debe seleccionar la música para cada mensaje o producto. Cuando una música se crea expresamente para un anuncio publicitario se llama “jingle”.
Si el producto que anuncias tiene un claro componente racional (detergente) se explica mejor con la palabra y apenas necesita musica. Pero si el producto anunciado tiene un mayor componente emocional se utiliza mas la música y apenas hay palabra.
Como no siempre los anuncios van dirigidos al mismo tipo de consumidor, los publicistas escogen las revistas donde exponer sus anuncios dependiendo del publico que las compre. En la radio existen distintas emisoras que emplean una voz, musica o distintos lenguajes según el publicista que las escucha.
CLARINETISTAS RECONOCIDOS
A lo largo de la historia muchos clarinetistas han elevado la categoría de este instrumento y lo han incorporado a diversos géneros musicales como el jazz y la música popular de cada país, destacándose por su gran destreza y calidad de interpretación. A continuación algunos de los instrumentistas más famosos a través del tiempo y la biografía de algunos de los más célebres.
Mozart escribió sus obras al famoso Anton Stadler, Brahms a R. Mühlfeld y Weber a H. J. Bärmann. Los grandes representantes de la escuela francesa del siglo XX son: C. Rose, Perrier, P. A. Mimart y posteriormente L. Cahusac, U. Delécluse, G. Hameli, Lancelot y Vacelier. Más recientemente son conocidos Stanley Drucker (1er cl. de la Fil. De Nueva York), Richard Stoltzman (solista), Larry Combs (1er cl. de la Sin. de Chicago), James Pyne (profesor de la Univ. de Ohio), Anthony Gigliotti (1er cl. de la Sin. de Philadelphia), Jon Manasse (solista), Luis Rossi (solista y constructor),
En el jazz son famosos Eddie Daniels, Pete Fountain, Benny Goodman, Woody Herman, Artie Shaw, Marty Ehrlich, Buddy Collette, entre otros.
BIOGRAFÍAS DE LOS CLARINETISTAS MAS RECONOCIDOS DE LOS SIGLOS XVIII Y XIX.
JOSEPH BEER: Nació en Grünwald en 1744 y murió en Potsdam en 1811. Célebre ejecutante considerado como el primero en presentarse como concertista. Realizó con éxito giras de conciertos en Holanda, Rusia y Hungría. Tiene gran importancia en la evolución del instrumento por haberlo perfeccionado agregándole algunas llaves. Fundó la primera escuela alemana de clarinete. Escribió varios conciertos para clarinete y diversa música de cámara.
ANTON STADLER: Nació en 1753 y murió en 1812. Virtuoso del clarinete y del corno di bassetto. Disfrutó de la generosa amistad de Mozart, quien además del Quinteto en la mayor y del Concierto k. 622, escribió para él un solo en la Clemencia di Tito, alcanzando en su escritura hasta el do grave, extensión de que disponía un clarinete que Stadler había construído junto con su hermano Johann, hábil fabricante de instrumentos.
JUAN XAVIER LEFEBVRE: Nació en Lausanne en 1773 y falleció en París 1829. Primer profesor de clarinete del Conservatorio de París. Excelente instrumentista y compositor fecundo, escribió sonatas, dúos y un famoso método que es usado hoy con mucha frecuencia.
Mozart escribió sus obras al famoso Anton Stadler, Brahms a R. Mühlfeld y Weber a H. J. Bärmann. Los grandes representantes de la escuela francesa del siglo XX son: C. Rose, Perrier, P. A. Mimart y posteriormente L. Cahusac, U. Delécluse, G. Hameli, Lancelot y Vacelier. Más recientemente son conocidos Stanley Drucker (1er cl. de la Fil. De Nueva York), Richard Stoltzman (solista), Larry Combs (1er cl. de la Sin. de Chicago), James Pyne (profesor de la Univ. de Ohio), Anthony Gigliotti (1er cl. de la Sin. de Philadelphia), Jon Manasse (solista), Luis Rossi (solista y constructor),
En el jazz son famosos Eddie Daniels, Pete Fountain, Benny Goodman, Woody Herman, Artie Shaw, Marty Ehrlich, Buddy Collette, entre otros.
BIOGRAFÍAS DE LOS CLARINETISTAS MAS RECONOCIDOS DE LOS SIGLOS XVIII Y XIX.
JOSEPH BEER: Nació en Grünwald en 1744 y murió en Potsdam en 1811. Célebre ejecutante considerado como el primero en presentarse como concertista. Realizó con éxito giras de conciertos en Holanda, Rusia y Hungría. Tiene gran importancia en la evolución del instrumento por haberlo perfeccionado agregándole algunas llaves. Fundó la primera escuela alemana de clarinete. Escribió varios conciertos para clarinete y diversa música de cámara.
ANTON STADLER: Nació en 1753 y murió en 1812. Virtuoso del clarinete y del corno di bassetto. Disfrutó de la generosa amistad de Mozart, quien además del Quinteto en la mayor y del Concierto k. 622, escribió para él un solo en la Clemencia di Tito, alcanzando en su escritura hasta el do grave, extensión de que disponía un clarinete que Stadler había construído junto con su hermano Johann, hábil fabricante de instrumentos.
JUAN XAVIER LEFEBVRE: Nació en Lausanne en 1773 y falleció en París 1829. Primer profesor de clarinete del Conservatorio de París. Excelente instrumentista y compositor fecundo, escribió sonatas, dúos y un famoso método que es usado hoy con mucha frecuencia.
domingo, 19 de diciembre de 2010
LA IMPORTANCIA DE LA MUSICA PARA EL NIÑO
La niñez es la etapa en la que el ser humano está más receptivo con todos los estímulos del exterior. El niño es capaz de recibir todo tipo de señales sensoriales y conceptos y conocimientos que va procesando y que le serán útiles para el resto de su vida en el uso cotidiano del día a día.
Al mismo tiempo que ocurre todo esto, el niño por sí mismo desarrolla sus capacidades psico-motrices a una gran velocidad, con notables mejoras en su habla, en la forma de andar, y en toda su coordinación. Es entonces cuando sería oportuno mostrarle la forma de desarrollar las habilidades como podría ser una de ellas la música.
Ahora, el niño puede recibir instrucciones sobre la ejecución de un instrumento musical, como de cualquier otra actividad psico- motriz.
Puede ir a pasos agigantados en este campo, como lo haría también en un juego o actividad física, ya que se trataría de algo fácil y divertido para él.
Habría mucha diferencia en el aprendizaje de este niño, a la hora de aprender a tocar un instrumento por ejemplo, con la de un adulto que también comience a hacerlo.
Además de todo esto, un niño tiene total libertad de su tiempo, y puede matarlo en algo útil, y que le sea de provecho, sin contar con que aumenta sus capacidades y desarrolla su creatividad favorablemente. Carece de obligaciones laborales, y todas estas actividades les darán recompensas a largo plazo.
Los encargados de que este tiempo sea aprovechado por el niño de buena manera son los padres, que deben saber motivarlos y venderles la idea de estudiar un instrumento; cosa que tampoco es muy difícil porque la mayoría de niños se sienten motivados hacia actividades que se salgan de la rutina, y que los diferencie de otros compañeros. Se sienten atraídos en general, por la música y por la gran variedad de instrumentos musicales que pueden encontrar, eligiendo así por sí mismo el que más le agrade.
Además de todo lo dicho anteriormente, esa edad es la mejor para actuar, ya que a partir de secundaria, van siendo edades difíciles para crear un hábito nuevo en el niño, y para que este no se oponga, dando su opinión, o simplemente por llevar la contraria, y aún no se percata del beneficio que le acataría a lo largo de su vida.
A parte, un niño de esta edad ya dispone de más distracciones, más vida social, y va necesitando dedicarle mayor tiempo a sus estudios y es más complicado compaginar ambas cosas a medida que va creciendo.
Por otra parte debemos tener vigentes las ventajas de saber tocar un instrumento. Puede tener mayor facilidad para hacer amigos, ya que tendrá de cierta forma, perdido el miedo a interactuar con los demás y con gente nueva, ya que está acostumbrado a conocer a niños en cada distinta asignatura de cada año en música, y a actuar delante del público en solitario.
También existe la posibilidad de que elija la música como forma de vida, y hacer una carrera dedicada a esto, que le permita vivir independientemente y de la forma que le gusta. Lleva como ventaja los años que dedicó desde la infancia hasta la hora de elegir una carrera a la música.
Por último, la música en general nos puede servir como cobijo y refugio cuando algo se tuerce en nuestro día a día, y usarla como inspiración para buscar una salida.
Podemos usar la música, en la ejecución de un instrumento, para expresar nuestros sentimientos de cada momento, una vez que tengamos claras las pautas que hay que seguir para poder hacer música.
Todo esto también tiene su forma pedagógica. Hay estudios relacionados con impartir música en edades tempranas como preescolar. Esta enseñanza incide positivamente en el desarrollo intelectual del niño. Además ayudan a la educación del oído, y a la mejora del habla, por tanto, de comprensión en el proceso de comunicación sensorial.
Otro gran beneficio es el aumento de la capacidad de expresión y del desarrollo de la personalidad del niño.
Permite la interiorización del niño y abre puertas para compartir su mundo personal con los demás, haciéndolo un ser más sociable. Ampliando este método, se puede hacer que el niño baile y se mueva al ritmo de la música,y así fomentar también su expresión corporal.
Por otro lado, la música puede acercar a las personas que la comparten. Así, cuando el niño va avanzando en sus estudios musicales, es capaz de expresarse cantando, o inventar sus propias letras para las melodías ya existentes y compartirlas con los demás. Al buscar por él mismo la rima, se va desarrollando musicalmente, intelectualmente, y también en la poesía, por lo que abarca también a ámbitos del lenguaje. Intentará pos sí mismo mejorar su vocalización y entonar su voz con las notas musicales que oye.
En conclusión, el aprendizaje de la música a su debido tiempo, conlleva a un mejor desarrollo del oído, de la voz, de saber tocar un instrumento, del lenguaje, de la memoria, de su capacidad psico- motriz, de desarrollar sus sentimientos, de interactuar con la sociedad, y de crecimiento como persona.
Al mismo tiempo que ocurre todo esto, el niño por sí mismo desarrolla sus capacidades psico-motrices a una gran velocidad, con notables mejoras en su habla, en la forma de andar, y en toda su coordinación. Es entonces cuando sería oportuno mostrarle la forma de desarrollar las habilidades como podría ser una de ellas la música.
Ahora, el niño puede recibir instrucciones sobre la ejecución de un instrumento musical, como de cualquier otra actividad psico- motriz.
Puede ir a pasos agigantados en este campo, como lo haría también en un juego o actividad física, ya que se trataría de algo fácil y divertido para él.
Habría mucha diferencia en el aprendizaje de este niño, a la hora de aprender a tocar un instrumento por ejemplo, con la de un adulto que también comience a hacerlo.
Además de todo esto, un niño tiene total libertad de su tiempo, y puede matarlo en algo útil, y que le sea de provecho, sin contar con que aumenta sus capacidades y desarrolla su creatividad favorablemente. Carece de obligaciones laborales, y todas estas actividades les darán recompensas a largo plazo.
Los encargados de que este tiempo sea aprovechado por el niño de buena manera son los padres, que deben saber motivarlos y venderles la idea de estudiar un instrumento; cosa que tampoco es muy difícil porque la mayoría de niños se sienten motivados hacia actividades que se salgan de la rutina, y que los diferencie de otros compañeros. Se sienten atraídos en general, por la música y por la gran variedad de instrumentos musicales que pueden encontrar, eligiendo así por sí mismo el que más le agrade.
Además de todo lo dicho anteriormente, esa edad es la mejor para actuar, ya que a partir de secundaria, van siendo edades difíciles para crear un hábito nuevo en el niño, y para que este no se oponga, dando su opinión, o simplemente por llevar la contraria, y aún no se percata del beneficio que le acataría a lo largo de su vida.
A parte, un niño de esta edad ya dispone de más distracciones, más vida social, y va necesitando dedicarle mayor tiempo a sus estudios y es más complicado compaginar ambas cosas a medida que va creciendo.
Por otra parte debemos tener vigentes las ventajas de saber tocar un instrumento. Puede tener mayor facilidad para hacer amigos, ya que tendrá de cierta forma, perdido el miedo a interactuar con los demás y con gente nueva, ya que está acostumbrado a conocer a niños en cada distinta asignatura de cada año en música, y a actuar delante del público en solitario.
También existe la posibilidad de que elija la música como forma de vida, y hacer una carrera dedicada a esto, que le permita vivir independientemente y de la forma que le gusta. Lleva como ventaja los años que dedicó desde la infancia hasta la hora de elegir una carrera a la música.
Por último, la música en general nos puede servir como cobijo y refugio cuando algo se tuerce en nuestro día a día, y usarla como inspiración para buscar una salida.
Podemos usar la música, en la ejecución de un instrumento, para expresar nuestros sentimientos de cada momento, una vez que tengamos claras las pautas que hay que seguir para poder hacer música.
Todo esto también tiene su forma pedagógica. Hay estudios relacionados con impartir música en edades tempranas como preescolar. Esta enseñanza incide positivamente en el desarrollo intelectual del niño. Además ayudan a la educación del oído, y a la mejora del habla, por tanto, de comprensión en el proceso de comunicación sensorial.
Otro gran beneficio es el aumento de la capacidad de expresión y del desarrollo de la personalidad del niño.
Permite la interiorización del niño y abre puertas para compartir su mundo personal con los demás, haciéndolo un ser más sociable. Ampliando este método, se puede hacer que el niño baile y se mueva al ritmo de la música,y así fomentar también su expresión corporal.
Por otro lado, la música puede acercar a las personas que la comparten. Así, cuando el niño va avanzando en sus estudios musicales, es capaz de expresarse cantando, o inventar sus propias letras para las melodías ya existentes y compartirlas con los demás. Al buscar por él mismo la rima, se va desarrollando musicalmente, intelectualmente, y también en la poesía, por lo que abarca también a ámbitos del lenguaje. Intentará pos sí mismo mejorar su vocalización y entonar su voz con las notas musicales que oye.
En conclusión, el aprendizaje de la música a su debido tiempo, conlleva a un mejor desarrollo del oído, de la voz, de saber tocar un instrumento, del lenguaje, de la memoria, de su capacidad psico- motriz, de desarrollar sus sentimientos, de interactuar con la sociedad, y de crecimiento como persona.
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